Ricardo Montaner: “La música es la savia que pasa por las venas de la vida”

Por EFE

LOS ÁNGELES. De nuevo en la carretera para afrontar una gira por Estados Unidos, el cantante venezolano Ricardo Montaner explicó a Efe su visión de la música como un arte duradero, más allá de los éxitos del momento.

“La música es como las inversiones a largo plazo, de ir creciendo e ir evolucionando para siempre. No creo en la música para estar pegado en los primeros cuatro lugares (de las listas de éxitos) por tres meses. Para mí la música es otra cosa, es una especie de savia bruta que pasa por dentro de las venas de la vida”, argumentó Montaner en una larga entrevista concedida a Efe.

Echando la vista atrás, Montaner destacó que ya son “treinta años” de “dar vueltas” y aseguró que siente “una enorme satisfacción”, ya que su carrera “no es un castillo de baraja”.

“(Mi carrera) es algo construido gracias a las emociones de la gente. Y eso es algo indestructible. Cuando entras en el corazón de una persona a través de algo que escribiste eso no sale jamás”, opinó Montaner antes de sostener que para el artista “que siente la música de manera vocacional”, no hay jubilación.

“¿De dónde sacas fuerzas? La misma gente te las va dando, el mismo público te va retroalimentando”, añadió el artista, quien se refirió a músicos ampliamente reconocidos comoFito Páez, Joan Manuel Serrat o Chico Buarque como algunos de sus principales modelos de inspiración dentro de la canción hispanoamericana.

Sus inicios artísticos se remontan a cuando los reyes magos le trajeron una guitarra a los seis años y cuando su padre pidió un crédito en Caracas para comprarle una batería.

“Los vecinos venían y se arrodillaban en mi casa para decirme que, por favor, después de las ocho no tocara más. Pero yo decía: 'Espérate. Cómo no voy a tocar si he estado en el colegio todo el día (...) y la única manera que tengo de tocar es después de las ocho”, recordó con una sonrisa.

Relató también que empezó “a tomarle sabor” a ser vocalista cuando enfermó el cantante de una banda en la que él era el percusionista y se vio obligado a dar un paso adelante. “Por primera vez vi los ojos de dos muchachas mirándome cantar. Hasta ese momento era un acomplejado con anteojos, nariz grande, bigote, me escondía detrás de mis complejos y de los tambores”, afirmó.

“Empecé a pensar que la música me daba la seguridad que yo en lo personal no tenía”, añadió.

Ahora Ricardo Montaner ve la situación desde el otro lado de la barrera, ya que son sus hijos Mau y Ricky quienes intentan hacer carrera en la música, por lo que su padre es “el primero en reconocerles” sus aciertos pero también “el primero en criticarles” cuando se equivocan.

Fuente:    http://www.abc.com.py/espectaculos/musica/ricardo-montaner-la-musica-es-la-savia-que-pasa-por-las-venas-de-la-vida-1466789.html

El arte de cantar

El arte de cantar: su dimensión cultural
y pedagógica

por
Hanns Stein

El arte del canto nació con el hombre mismo, con su primera expresión vocal. En sus orígenes fue una forma más elevada del lenguaje, probablemente inspirada por el culto primitivo. Hay incluso quienes afirman que el canto existió antes del lenguaje hablado, así como existe en especies inferiores al hombre, por ejemplo las aves.

Más adelante el canto respondió a las necesidades de las religiones y las estéticas, condicionadas naturalmente ­por ejemplo por diferentes lenguas­, las que llevaron a distintas maneras de emitir la voz (nasalización y elevación artificial de la laringe en las culturas del Oriente Medio).

En la antigüedad mediterránea el arte del canto tuvo influencia en la retórica; en Grecia los discursos debían ser rendidos en un determinado tono. Para la tragedia y comedia griegas se necesitaban cantantes formados, que junto con el drama ofrecían secciones cantadas.

El aporte más importante de la Iglesia Católica al arte del canto es, posiblemente, el canto litúrgico, y su desarrollo polifónico en siglos posteriores, antes de concluir la Edad Media. A fines de este mismo período, en Europa, aparece un tipo de canto profano que se podría denominar de arte y que practican los troubadours,trouvères y minnesänger. La improvisación libre del siglo XVI sentó las bases técnico-vocales para el amplio y diferenciado desarrollo que tuvo el arte del canto a partir de 1600, con el florecimiento de la ópera, el oratorio, la cantata y el aria. En ese período, en el cual el canto tuvo un desarrollo musical tan grande, la principal preocupación era la expresión y la comprensibilidad del texto.

El virtuosismo vocal se desarrolló a la par con el instrumental, y sus grandes cultores fueron los castrati con su enorme habilidad en la ejecución de coloraturas. Recién el nuevo dramatismo del clasicismo restauró la relación original entre música y declamación y reemplazó al castrato por el cantante dramático, así como permitió la integración de las mujeres, que fueron excluidas del canto desde el siglo VII por la Iglesia Católica.

En el siglo XIX apareció la canción artística (Lied, Kunstlied), la que con sus exigencias técnicas y expresivas enriqueció el arte del canto. En el arte vocal francés, en todas las épocas, el acento estaba puesto en la declamación de la palabra. La escuela belcantística italiana, en cambio, enseñaba el libre desarrollo del melosvocal, en detrimento de lo declamatorio. Los alemanes y otras naciones centroeuropeas encontraron un cierto equilibrio entre los dos extremos. Posteriormente, incluso maestros como Verdi y Puccini exigían unidad orgánica entre palabra y sonido musical.

Hoy en día, gracias al acortamiento de las distancias y la integración de culturas, es absurdo hablar de "escuela italiana" o "escuela alemana". Es cierto que los idiomas influencian de alguna manera la emisión vocal, pero al cantante de hoy se le exige expresarse de manera correcta en los diversos idiomas y estilos, lo que lleva a lo que podría llamarse una globalización de las escuelas de canto. Es necesario, por lo tanto, abordar la problemática de la técnica y la enseñanza del canto con gran amplitud, en forma abierta y sin dogmatismo.

A fines de la década de 1970 apareció en Berlín un libro, Die Sängerstimme, que se publicó más tarde traducido al español bajo el título de La voz del cantante¹. Sus autores, los doctores foniatras Seidner y Wendler, no sólo atendían a los cantantes y actores de Berlín, sino que además dirigían ­en el departamento foniátrico del hospital universitario Charité­ uno de los laboratorios importantes de Europa dedicado al estudio de todo lo relacionado con el canto. A raíz de una estrecha colaboración con los autores, especialmente con el Dr. Seidner, al abocarme a traducir y adecuar al castellano el mencionado libro, pude conocer una gran parte de las investigaciones que se realizaron en ese campo desde comienzos de este siglo y la multiplicidad de resultados obtenidos, muchas veces de muy diferente índole. Admiré el enfoque abierto, exento, justamente, de dogmatismo con el que los autores daban a conocer posiciones muy diferentes, a veces incluso contradictorias, pero que al final contribuían dialécticamente a llegar a nuevas vías de conocimiento.

Los primeros reconocimientos del aparato vocal se remontan a la antigüedad, y los cartílagos de la laringe hasta hoy llevan los nombres griegos que les diera Galeno. También Leonardo da Vinci se interesó en la emisión de la voz y contribuyó a un mayor conocimiento de su fisiología. Pero el verdadero comienzo de una investigación científica en ese campo se puede situar recién en la mitad del siglo XIX. En esa época el gran maestro de canto Manuel García logró, con un espejito de dentista y con la ayuda de otro espejo, ver funcionar sus labios vocales mientras cantaba, inventando de esa manera la laringoscopia. De allí en adelante algunos médicos comenzaron a interesarse en la especialidad y a investigar la voz desde el punto de vista fisiológico. El gran auge y avance en la investigación se produjo en los últimos decenios, gracias al desarrollo de los medios técnicos y electroacústicos puestos al servicio de la foniatría. Es muy importante integrar todo ese conocimiento científico en permanente desarrollo a la labor de formación de cantantes y a una cuidadosa higiene vocal, o sea a la mantención de voces sanas. Sería altamente aconsejable fomentar en forma organizada la colaboración entre foniatras y profesores de canto.

En nuestra profesión cantora está muy difundido el concepto de que algún poder sobrenatural dotó al cantante de una bella voz, la que tiene que ser desarrollada para emitir hermosos sonidos, largos agudos, destinados a deslumbrar al público. Esta malformación es fomentada por muchos teatros de ópera y desde luego por la publicidad de las empresas fonográficas. Lamentablemente, también por algunos profesores de canto. Frente a ello se plantea la posición de los cantantes músicos, los que a través de su labor de intérpretes y de pedagogos tratan de presentar la voz como instrumento al servicio de la obra interpretada, y de despertar en las jóvenes generaciones de cantantes la necesidad de realizar su vocación por medio de la música y no de la acrobacia vocal.

Por cierto que para lograr una verdadera interpretación o recreación es necesario un perfecto dominio del instrumento vocal, lo que significa un trabajo técnico de muchos años, pero nunca sin aplicar cada avance a la literatura musical, al conocimiento profundo, teórico y práctico de los problemas estilísticos, las diferencias de fraseo, de articulación, incluso de emisión que eso conlleva.

Cada cantante, cada alumno de canto, es una personalidad diferente, que además lleva el instrumento inserto en su cuerpo, con características fisiológicas y psicológicas propias. Por eso, tratar de aplicar un sistema en forma dogmática es imposible, yo diría fatal. El pedagogo debe tratar de sentir en su propio organismo los problemas, por ejemplo las tensiones que afectan al alumno. Esto requiere por un lado una enorme concentración y por el otro una mente muy abierta de ambos participantes, profesor y alumno. Y requiere también un grado de confianza y de amistad.

La técnica de canto y por lo tanto también la formación de cantantes, se basa en dos grandes verdades. La respiración baja, abdominal o costoabdominal y la relajación de las musculaturas desde las costillas hacia arriba, vale decir las musculaturas torácicas, claviculares, de la garganta y faciales. Todo lo demás varía mucho, de acuerdo a las características de las personas. Incluso varía la manera de acercarse a las verdades mencionadas y de hacerlas funcionar correctamente. La respiración, el apoyo, la presión de aire subglótica, el flujo de aire que lleva el sonido a los resonadores, el manejo de la cavidad de emisión, etc., son nociones muy difíciles de definir. Para explicarlas y llevarlas a la práctica, hablamos de sensaciones, que no siempre corresponden a la realidad fisiológica. Por ejemplo, la sensación durante una correcta respiración, es la del ensanchamiento de la musculatura abdominal. Hablamos, por eso, de respiración abdominal, siendo que esa sensación es consecuencia de la completa expansión de los pulmones, único verdadero órgano respiratorio, el que sin embargo no sentimos. Hablamos entonces de respiración abdominal, intercostal o clavicular, de acuerdo a la mayor o menor utilización y expansión de los pulmones. Y estas sensaciones varían mucho de una persona a otra.

Yo creo por lo tanto que un profesor de canto debe ser un guía que ayude al alumno a explorar caminos hasta encontrar finalmente el correcto, el que le permita a ese joven cantante desarrollar su voz hacia un rendimiento máximo en belleza, agilidad, capacidad de modulación, proyección, dinámica, siempre sin forzar el instrumento, cantando con los intereses de la voz, sin gastar el capital. Eso significa una presencia extremadamente concentrada del maestro durante las vocalizaciones que el alumno realiza, particularmente cuando se trata de alumnos principiantes.

Pero, ya lo he mencionado antes, no basta que el profesor sea un guía en lo referente a la formación vocal. Para que un cantante transforme su habilidad vocal en arte ha de adquirir una vasta cultura y una clara conciencia sobre su papel en la sociedad. El arte, tanto para el que lo produce como para el que lo recibe, es, desde luego, una vivencia estética. Si se reduce a eso nomás, produce sólo lo que Felsenstein llamaba "un goce culinario del arte"². No es poco, pero el arte puede cumplir un papel mucho más importante, entregando conocimiento, en un nivel diferente y con otra proyección que la ciencia. Y aún más, siendo la elaboración más característica de la especie, es capaz de despertar los impulsos más humanos, que ennoblecen y llevan a la humanidad por la senda del progreso. Un artista, ya sea creador o intérprete, tiene la posibilidad de dar expresión a sus ideas a través del mensaje artístico. Ejerce así un papel formativo y por lo mismo tiene la obligación moral y social de actuar con el mayor rigor. Pero además el arte en general, la música en nuestro caso, siendo una expresión cultural, tiene su valor propio. Es una de las grandes riquezas del género humano en su totalidad. Es, en conjunto con todas las expresiones artísticas, un factor importante en la toma de conciencia del ser humano. Lo grande y lo bello del mensaje artístico induce al ser humano a rebelarse contra todo lo que lo oprime, contra lo pequeño y sucio. Es un factor de emancipación y de desarrollo hacia la esencia humana. Todo eso, evidentemente, siempre que sea realmente Arte, con mayúscula. Claro, surge la pregunta: ¿qué es realmente arte?, ¿quién es el juez?... La historia desde luego, con un juicio bastante certero. Pero también la verdad, la verdad que el arte contiene. La verdad artística, a la que hay que llegar a través del rigor académico y de la honestidad y sinceridad personales. Para expresar ideas ­me refiero a ideas contemporáneas que pueden influir incluso en el acontecer contingente­ no necesariamente hay que recurrir al mensaje directo. Toda obra de arte que perduró, que la historia nos legó, es un producto social; de alguna manera lleva dentro de sí problemas humanos y sociales. La búsqueda de verdad por parte de un intérprete consiste en penetrar la problemática de la obra y poner al servicio de la interpretación de la misma su técnica y un gran conocimiento estilístico, para poder revelar las verdaderas intenciones del autor. El conocimiento estilístico permite desentrañar las particularidades de cada época. Así, con rigor académico, pero sin falsos academicismos y formalismos, el cantante se hace intérprete; vale decir, podrá traducir la obra a un lenguaje que comprenda el público de hoy, arrancándole toda la verdad que contiene. Un intérprete que se exige a sí mismo veracidad y honestidad en la búsqueda de los contenidos de la obra interpretada y la entrega con modestia, sin pretender un superficial lucimiento personal, sino agregando a la partitura las ideas, sensaciones y emociones que la obra en él despiertan, sin duda contribuye a producir un cambio en el oyente. Un cambio que puede redundar en una elevación de la calidad de vida del que escucha.

Siempre he pensado ­y he actuado acorde a ese pensamiento­ que es deber de un intérprete incluir obras contemporáneas en sus programas y en el caso de un intérprete chileno, especialmente obras de autores chilenos; si es posible, también de su propia generación. Se plantea entonces la pregunta acerca de la problemática de la especialización. No me compete pronunciarme en forma taxativa sobre el caso de los instrumentistas, sobre el uso de instrumentos de época, tan en boga hoy día en el gran mundo musical. Seguro que han hecho una gran contribución al mejor conocimiento de épocas y estilos. En el caso de la interpretación vocal creo que es aconsejable no especializarse totalmente. Hay, desde luego, voces y temperamentos predestinados, por ejemplo, para la música antigua. Pero son las excepciones. Para la mayoría es sano hacer de todo. Según mi experiencia la música contemporánea ayuda a entender el arte renacentista y viceversa. La música contemporánea demanda de las voces efectos mucho mayores que los normalmente imaginables y que en ocasiones son perfectamente usables en la interpretación de la música antigua, incluso barroca. La música antigua plantea problemas de afinación o de vibrato cuya solución es extraordinariamente útil en la interpretación de muchas obras de nuestra época. Lo importante es no conformarse con el standardgeneralmente entregado por la academia.

De primordial importancia para la formación de un cantante es la interpretación de música de cámara, la que obliga a la fineza y al máximo control vocal, a la expresión a través de una clara e intencionada declamación, una acentuación, una agógica y una dinámica extremadamente sutiles. Existe un inmenso y riquísimo caudal de música vocal de cámara, desde el Renacimiento y barroco temprano hasta nuestros días. Practicando este género, tanto en lo solístico como en conjuntos, desde dúos hasta grupos mayores, el joven cantante aprende a distinguir las pequeñas diferencias composicionales y de práctica interpretativa entre épocas, pero a veces también entre creadores de la misma época. Esto puede enriquecer enormemente su potencial como intérprete.

El hacer ópera, desde el punto de vista vocal, es la pincelada amplia que contribuye al desarrollo del volumen y de la proyección de las voces, como también a la capacidad dramática, a la encarnación de personajes y situaciones. Pero en todos los géneros es indispensable la búsqueda y la expresión de la verdad. En el género ópera o teatro musical eso es particularmente importante, ya que ese género musical-teatral fácilmente cae en el ridículo y se transforma en un concierto con disfraces, dejando a un lado la parte teatral en la que se ha inspirado el compositor. Al respecto vale la pena recordar una cita de una charla del Prof. Walter Felsenstein, fundador y director, hasta su muerte, de la Opera Cómica de Berlín, un teatro que ha sido y es ejemplo de realización de teatro musical moderno en su verdadero sentido. Dice el Prof. Felsenstein que debe llegarse a un resultado que "involucre al espectador en el drama y la poesía del acontecer escénico a través de la comprensibilidad, credibilidad y absoluta veracidad de un arte de la representación creador"³.

Se insiste mucho ­particularmente en nuestra Facultad de Artes­ sobre la formación de artistas integrales, que no sólo sepan tocar su instrumento, sino que dispongan además de una amplia cultura y de conocimientos acerca de una serie de elementos propios de la modernidad. Estando en principio de acuerdo con estos preceptos, me asalta la duda de si se trata de algo nuevo en la formación de un músico. La literatura y documentación de que disponemos nos indican que a los creadores e intérpretes de antaño se los formaba de acuerdo con grandes exigencias; naturalmente, a los niveles de sus respectivas épocas. Sucede que en los tiempos pasados no había una separación tan tajante entre la cultura de la vida diaria y la formación artística, llamémosla académica. Nuestros antepasados europeos, desde niños aprendían a conocer música, a leerla y tocarla en sus casas, en la escuela, en la iglesia. Recién con el advenimiento del capitalismo y la industrialización surgió también la producción de un arte de entretención, cada vez más masivo y comercializado, cada vez más banal y ordinario y más diferente del arte de estirpe académico. En la música esto ha sido extremo, y con el desarrollo de los medios de comunicación, éstos se han hecho portadores y difusores de este tipo de música, en forma casi exclusiva, al margen de toda ética. Tanto es así, que las jóvenes generaciones prácticamente no conocen otra manifestación.

Esto significa ciertamente un problema para la educación musical, sobre todo considerando que el sistema escolar se preocupa cada vez menos de ella. Significa que resulta necesario suministrar al alumno una cantidad de información, que antiguamente era aportada por el modus vivendi familiar y social: éste es actualmente el importante papel de las asignaturas complementarias. Pero subsiste, a mi juicio, la asignatura principal, el del instrumento que el alumno escogió como su vocación; en nuestro caso, la voz. Esta asignatura tiene que estar a cargo de una persona poseedora a su vez de una formación integral, capaz de formar al joven intérprete en el aspecto musical, técnico e interpretativo. Pero también tiene que ser capaz de despertar el interés por todos los aspectos culturales, la profundización de la historia de la música y de la historia en general, de los problemas sociales y psíquicos. Tiene que hacerle ver la importancia de las otras asignaturas y de la contribución que su estudio hace a sus posibilidades interpretativas. Pero será siempre el profesor de la asignatura principal el orientador, el que determine el desarrollo, el verdadero maestro del alumno. Entre profesor y alumno se desarrolla una relación humana especial, basada en un conocimiento mutuo muy profundo, ya que la materia que el alumno estudia trata de la expresión espiritual, o sea de la esencia humana de ambos. Quisiera no banalizar esta reflexión, pero tengo que decir que todo esto no se logra en una hora y media semanal. Antiguamente los alumnos convivían con sus maestros. Pero aún hoy, en países que son la cuna de la cultura occidental, la relación entre maestro y alumno es prácticamente diaria y es el maestro el que recibe los informes de los profesores de las asignaturas complementarias. En síntesis: es el profesor de la asignatura principal, el maestro, el fundamental actor en la formación artística integral del joven músico. Las demás asignaturas, técnicas y teóricas, son indispensables como complemento para lograr tal objetivo.

Acerca del comienzo de la enseñanza del canto en Chile no hay antecedentes detallados. Alguna información nos da, sin embargo, Mario Milanca Guzmán en su artículo "La música en el periódico chileno El Ferrocarril, 1855-1865"⁴. La primera profesora de canto mencionada es Clorinda C. de Pantanelli, cantante italiana que llegó al país como parte de la compañía lírica Pantanelli; su director, Rafael Pantanelli, era esposo de la cantante. Arribaron a Chile en 1844 y junto con realizar presentaciones de ópera en el viejo Teatro de la Universidad, comenzó su actividad pedagógica, primero con clases particulares y desde el año 1861 hasta 1873 como profesora del Conservatorio Nacional de Música. Otros maestros de canto mencionados en el artículo citado son: Federico Lutz, que estudió en el Conservatorio de París, Guido Antonielli, Inocencio Pellegrini y la cantante chilena Isabel Martínez de Escalante. Tal como señala el título del artículo la información se reduce a la década 1855-1865.

Además de los mencionados cantantes y profesores de canto, en el Conservatorio Nacional de Música del siglo XIX oficiaron varios profesores, tanto chilenos, como franceses, italianos y españoles, como Adolfo Desjardins, Juan Carlos Bayetti, Margarita Caviedes, Ramón Galarce, Pedro Bajas, Francisco Valderrama, Eloísa de Contardo, Alfonso Altavilla, Octavio Benedetti, Luisa P. de Gervino y Rosa Vaché⁵.

Comenzando nuestro siglo hubo en Santiago algunos maestros de canto importantes. Los nombres más conocidos: Adelina Padovani, el tenor dramático Angelo Querze, quien fue el profesor del afamado tenor chileno Renato Zanelli y el bajo Gaudio Mansueto. Este último se radicó en Chile en 1928, fue profesor del Conservatorio Nacional y sus alumnos fueron los cantantes chilenos más importantes de los años 30 hasta 50. Y no podemos dejar de mencionar a Clara Oyuela, quien llegó a nuestro país a fines de la década del 40 y sigue enriqueciendo la vida musical chilena entregando la rica experiencia de su larga vida de cantante.

Con la voz humana comenzó la música y la voz humana sigue siendo el instrumento de máxima capacidad expresiva. Son muchos los géneros: ópera, oratorio, música de cámara en sus diversas expresiones, Lied, canción, diversos tipos de conjuntos vocales, música antigua, música contemporánea y también música popular y folclórica. Todo tiene su vigencia y su importancia. Claro que hay una diferencia grande entre un sofisticado Lied de Hugo Wolff o una delicada melodía de Debussy y los complejos mecanismos técnico-vocales y estilísticos necesarios para interpretar estas piezas, tanto desde el punto de vista musical, como el literario, y una sencilla canción estrófica folclórica, que requiere justamente una gran naturalidad y espontaneidad. Pero seguramente es posible determinar un denominador común que haga que todos tengan un resultado artístico. Este denominador común podría ser el buen gusto ­resultado del conocimiento, la sensibilidad y la experiencia­, la honestidad, la verdad. La cultura, en buenas cuentas. La pregunta es ¿cómo se logra? Robert Schumann acuñó una frase que nos puede señalar el camino: Es ist des Lernens kein Ende ­el estudiar no tiene fin.

¹Seidner y Wendler 1982.

²Felsenstein 1976:41.

³Felsenstein 1976:41.

⁴Milanca Guzmán 1998:1-77.

⁵Los datos acerca de profesores de canto mencionados fueron proporcionados por el Museo Archivo del Teatro Municipal.

REFERENCIAS BIBLIOGRÁFICAS

FELSENSTEIN, WALTER
1976 "Ist das Musiktheater eine Angelegenheit des Volkes?" [¿Es el teatro musical asunto del pueblo?]. Charla para introducir una discusión en la Volksbühne de Berlín en 1951. Schriften.[Escritos]. Editado por Stephan Stompor, colaboración de Ilse Kobán, Berlin: Henschel Verlag-Kunst und Gesellschaft, pp. 41-47.

MILANCA GUZMÁN, MARIO
1998 "La música en el periódico chileno El Ferrocarril, 1855-1865", Revista Musical de Venezuela, Caracas, Fundación Vicente Emilio Sojo, CONAC, XVIII/ N°37 ( mayo-agosto), pp.1-77.

SEIDNER, WOLFRAM Y JÜRGEN WENDLER
1982 La voz del cantante. Traducido por Hanns Stein. Berlín: Editorial Henschel.

Vista el 16 de novuiembre de 2015 en : http://www.scielo.cl/scielo.php?pid=s0716-27902000019400005&script=sci_arttext

El "secreto" de Pavarotti fue que nunca se creyó que había llegado a su meta

La viuda de Luciano Pavarotti, Nicoletta Mantovani, explica en una entrevista con EFE cómo es su vida después del fallecimiento del carismático tenor (1935-2007), del que ahora se publica un recopilatorio de arias que incluye la primera que grabó, hace 50

Estaba tan harto de presentarse a concursos de canto y no ganarlos que aquel agente de seguros se juró que, si esa vez no tenía éxito, se retiraba. Era 1961, ganó, y ahí se empezó a gestar el mito Luciano Pavarotti, el "tenorissimo", cuyo "secreto" fue que nunca se creyó que había llegado a su meta.

   

EFE

Fue con el aria "Che gelidamanina", de "La Bohème", de Puccini, y ahora su viuda, Nicoletta Mantovani, y su compañía discográfica "de toda la vida", Decca, han decidido editar un recopilatorio de dos CD con las 50 mejores grabaciones del tenor, incluyendo la que se grabó aquel día.

"Buscábamos algo verdaderamente especial para este disco, y me acordé de esa historia que me contaba Luciano", relata a Efe la viuda del cantante y madre de su hija Alicia, que cumplirá en enero 11 años, dotada con un oído "soberbio" y alumna de piano, pero que ya le ha advertido "que nunca será cantante".

Por fortuna para la lírica, Pavarotti (1935-2007) venció en aquel concurso, cuyo premio era la grabación de la pieza en la que se puede oír a sus amigos jaleándole y gritándole "bravo".

"Es impresionante escuchar cómo ya entonces tenía una voz increíble", recalca Mantovani, que mantiene muy activa la Fundación Luciano Pavarotti, aunque ahora ya no destinada, como en vida del artista, a la enseñanza lírica y educación de la voz sino a proporcionar a los jóvenes la posibilidad de estrenarse en los escenarios.

Este disco, asegura, le habría gustado "muchísimo" a Pavarotti porque es, dice, "la historia de la ópera": va desde la grabación de aquella aria, que también canta dirigido ya por Karajan, a "Nessun dorma", solo con Zubin Mehta y después en versión Los Tres Tenores, pasando por "Una furtiva lagrima", "Brindisi" o "La donna e mobile".

Pero también recoge canciones populares como "O solemio", "Granada" -"la canción más alegre del mundo", decía-, y algunos de sus mejores trabajos como "crossover" en el pop, con Sting, Eric Clapton, Stevie Wonder, Bono o el "fantástico" "My way" con Frank Sinatra.

"Tenía curiosidad por todo y siempre estaba estudiando. Su secreto era que nunca sentía que había llegado, que siempre le faltaba algo para llegar a su meta. Siempre decía después de cantar, por muchos 'bravos' que oyera, 'mañana lo haré mejor'. Nunca se sintió importante", revela Mantovani (1969).

Cuando él comenzó su carrera, había "tantos" tenores "bravissimos", como Giussepe di Stefano, Mario del Monaco o Franco Corelli, ya que el nivel era "altísimo, muy distinto de ahora", afirma la viuda de Pavarotti.

"Entonces era muy difícil triunfar. Era como escalar una montaña. Ahora no hay nada que escalar, no hay esa competencia", apunta Mantovani, convencida de que los actuales concursos de talentos están muy lejos de descubrir a "auténticos artistas".

"Un éxito -explica- se construye con mucho tiempo de trabajo, de esfuerzo, de pruebas, de concursos... Un desarrollo que nada tiene que ver con el éxito de una noche".

Mantovani, que fue secretaria del tenor hasta que se casó con él, en 2003, aprendió "muchísimo" de Pavarotti, entre otras cosas a no tener miedo de nada y a apreciar la vida.

"Llevo enferma desde los 19 años, pero solo descubrí que era esclerosis múltiple cuando estaba con Luciano. Él me ayudó a afrontarlo desde el punto de vista psicológico, porque al principio todo lo veía negro. Me enseñó a verlo no como una desgracia, sino una oportunidad para cambiar, para convertirme en una persona mejor", relata.

Ella no quería hablar de su mal, porque no se sentía con fortaleza "para soportar el juicio público, que no siempre es benévolo", pero él le animó a hacerlo y fue "muy positivo" compartir "con tantos enfermos, sobre todo jóvenes, que se pueden tener hijos, que la vida no cambia, que es una enfermedad gravísima, pero que no es el fin".

Puede que la esclerosis "retuerza las piernas" pero no la vida, sostiene Mantovani, que lleva un año y medio sin síntomas porque decidió someterse a un tratamiento experimental que desarrolla en Ferrara el doctor Paolo Zamboni.

"Es muy polémico lo que hace, pero a mí, que he visitado a médicos en todo el mundo, de momento me ha dado resultado. No se qué pasará dentro de tres años, tampoco él lo sabe, pero...", señala.

Zamboni sostiene que la esclerosis múltiple, tanto la intermitente, como la que ella padece, como la progresiva, tiene su origen en un estrechamiento en las venas encargadas de transportar la sangre venosa procedente del cerebro, así que a ella le ha sido sustituida la yugular por vena de la pierna: "Es increíble, pero funciona", afirma feliz. EFE

fuente: http://www.ultimahora.com/el-secreto-pavarotti-fue-que-nunca-se-creyo-que-habia-llegado-su-meta-n739588.html

GESTORES CULTURALES EN PARAGUAY

La más conocida en Paraguay, cuando citamos derecho de autor, propiedad intelectual, institución cultural o encuentro de artistas mencionamos siempre a AUTORES PARAGUAYOS ASOCIADOS, abreviado APA o A.P.A., que es una organización privada, sin fines de lucro, que tiene como objetivos primarios representar, recaudar, distribuir y administrar colectiva-mente los derechos de los autores y creadores sobre sus obras, creaciones y composiciones, para proteger sus derechos de estos sobre la explotación comercial no lícita de las obras.

Es amparado por el Convenio de Berna de 1886, fundada el 01 de julio de 1951, como sociedad autoral privada y sin fines de lucro, adquiriendo legalmente personería jurídica.

Los objetivos de la entidad eran la protección, dentro o fuera del Paraguay, de los derechos de los autores paraguayos sobre sus creadas y registradas en allí, así como también la protección dentro del Paraguay de obras de los autores extranjeros registrados en sociedades de gestión que tengan relaciones con APA.

APA se encarga de proteger y administrar, la reproducción, integridad y comercialización de las obras, mediante servicio de tutela jurídica y económica a los autores. Dicha protección se realiza en el extranjero a través de contratos con entidades semejantes de cada país.

La ENTIDAD PARAGUAYA DE ARTISTAS INTÉRPRETES O EJECUTANTES "AIE-PARAGUAY", es una Asociación Civil sin fines de lucro, con personería propia dedicada a la gestión colectiva de los derechos intelectuales de los Artistas Intérpretes o Ejecutantes en virtud a la Ley 1328/98, de Derechos de Autor y Derechos Conexos.

Está legalmente reconocida por la Dirección Nacional del Derecho de Autor para funcionar en representación de los Artistas Intérpretes o Ejecutantes nacionales y extranjeros.

El fin principal de la Entidad es la Gestión de los Derechos Intelectuales de los Artistas Intérpretes o Ejecutantes. Ejercer la plena representación de sus miembros socios para los efectos de la Gestión Colectiva de los derechos que les correspondan derivados de la comunicación y ejecución pública, radiodifusión, transmisión por cable y remuneración compensatoria por copia privada.

En el caso de APA, se le reconoce bastante sobre todo cuando se organizan fiestas, conciertos, espectáculos donde los organizadores deben pagar los impuestos obligatorios correspondientes por derecho de autor.  

 FUENTE: http://www.aieparaguay.org.py/

                      www.apa.org.py

IMPERIO INDUSTRIAL DE LA PIRATERIA

 

¿Paraíso de la piratería o proveedor de diversión para los pobres?

Asi publicaba el medio conocido BBC Mundo que encontró opiniones distintas frente a los ejemplos latinoamericanos en una  lista estadounidense de sitios "notorios" en el mercadeo de productos piratas.

La lista, presentada por el jefe de la oficina del Representante de Comercio de Estados Unidos, Ron Kirk, resalta el caso de China e incluye a cinco lugares en América Latina entre los 17 mencionados en todo el mundo:

-        el mercado de Bahía en Guayaquil (Ecuador), Ciudad del Este (Paraguay), La Salada en Buenos Aires (Argentina), Tepito en Ciudad de México y los San Andresitos de Colombia.

Según el comunicado oficial, la lista no es exhaustiva ni "refleja el descubrimiento de una violación de la ley". Sin embargo, aclara el mismo comunicado, "Estados Unidos urge a las autoridades responsables intensificar esfuerzos para combatir la piratería y la falsificación en esos mercados".

"Estos mercados no sólo hieren a los trabajadores y negocios en EE.UU., también representan una seria amenaza a los empresarios y la industria alrededor del mundo", advirtió Kirk.

http://www.vivaparaguay.com/new/index.php/internacionales/9-internacional/41406-paraguay-entre-los-paises-piratas-del-mundo-segun-la-bbc

En definitiva es una problemática especialmente para los Estados Unidos las industrias de piratería en Latinoamérica, pero no muy grande como podría serlo en su propio país, de manera a que no puede competir suntuosamente una industria discográfica en un país pobre, en vista que costaría para muchos, comprar productos caros, como ocurre la mayoría de las veces, que vendría a ser una de las causas.

Por lo que veo en mi país, Paraguay, los artistas nacionales si tienen costos bajos en sus productos discográficos y también obviamente en las entradas de sus espectáculos, de tal manera dan esa facilidad al consumidor de músicas o textos a que pueda haber acceso a las obras, pero la industrialización muchas veces no se compararía a la de otros países, también es en baja el nivel a causa de estas conveniencias.

La BBC Mundo, también publicaba en noviembre del 2009, que mas de la mitad de la población en Paraguay está a favor de la Piratería, porque das trabajo a los más pobres, lo que significa que hay mucho que hacer en campañas de concienciación y en la educación de los niños y jóvenes. Esto según una encuesta realizada por la cámara Paraguaya de comerciantes. http://www.bbc.co.uk/mundo/economia/2009/11/091119_0457_paraguay_encuesta_gm.shtml

Es evidente y no se puede discutir que está mal la piratería sobre todo no solo por que  mata la creación y se va en contra de los artistas, sino también porque va en contra de nuestra nación creando una inmoralidad en los habitantes.

Cuando hay puestos informales, ilegales, también están unidos otros ‘’servicios ‘adheridos a la complicidad que generan retroceso a la sociedad y acostumbra a los ciudadanos a que lo anormal se vuelva normal, al menos eso se ve como resultado de muchos.

¿Cuántas veces sabemos pero no podemos demostrar que hay kioscos que aparte de vender sus productos distribuyen otras cosas? O, ¿Cuántas veces vemos ingresar productos de contrabando entre ellos materiales discográficos que ingresan al país? O, que se van del país en muchos casos más lógico y sabido, empíricamente si esa podría ser la palabra adecuada.

Los esfuerzos de control tanto internamente como en la frontera son ‘’insuficientes". Al menos es esa la teoría que tiene EEUU hacia Paraguay por lo que fue publicado este año por el diario UH de Asunción http://www.ultimahora.com/la-pirateria-y-el-contrabando-paraguay-son-rampantes-eeuu-n524200.html  que son alternativas que se tiene fuera de lo educativo. Veo que hay dos salidas con todo esto, una es de educar y la otra de controlar, y para controlar debe de haber instituciones comprometidas en campañas que trabajen para concientizar a la gente, como se debería de hacer en muchas cosas, por ej. como el contrabando, muchos no saben porque está mal, saben que está mal pero no saben porque lo es.

En la triple frontera (Arg. Bra y Py) es un paraíso para la mafia de la piratería, un lugar donde evidentemente no se puede controlar y queda plasmado conocido en el mundo entero.

  

PRIMAVERA

WAKA WAKA

WAKA WAKA , ESTO ES AFRICA, fue la canción tal vez más escuchada en el año 2010 que fuera himno del Mundial de futbol en Sudáfrica, que como muchos ya lo saben, fue un plagio (SUPUESTAMENTE) y que inclusive se llego a decir que iba a haber una demanda de por medio a la cantante Shakira quien fue la que compuso y produjo la canción. Se estimaba 11 millones de dólares que iba a ser la demanda.

La canción fue elegida por la FIFA, obviamente tuvo que haber pagado algo, ya que se trata de Himno Oficial, o de repente pudo haber sido donado para promoción de la artista o lo que fuere, eso si, los que saben mucho de derecho de autor o de intérprete, verán que muchas cosas hay detrás de todo esto. Como por ejemplo:

Presentación oficial en la inauguración y clausura: (algo se tuvo que pagar)

Presentación en los conciertos de la artista (tuvo muchas giras con esta canción)

Pagos por material discográficos vendidos

Publicidad

Imagen discográfica

A lo mejor varias cosas más que de repente el que lee esto lo puede agregar

Esto coloco, porque todo lo recaudado con esta canción iba a ser destinado a 20 centros de alfabetización organizado por la FIFA, no sé si se llego a hacer esto, habría que investigar. Muchas fundaciones de artistas se crean también para no pagar impuestos, y en el mundo del futbol es un tema aparte.

Parte de lo que está más arriba y la promoción de esta canción en aquella época, lo pueden encontrar en este link que les paso http://www.hollywoodosis.com/cancion-himno-shakira-mundial-2010.

El festival de la OTI, era un festival muy conocido en Latinoamérica unas cuantas décadas atrás, donde parte del WAKA WAKA, léase el coro de la canción, ya sonaba en aquel tiempo, fue eso lo que repercutió cuando se escucho esta canción en el año 2010, donde se observa un plagio, o por lo menos un agregado a la canción.

El negro no puede, de las chicas del can, creadas por Wilfrido Vargas es la canción donde se desata  el escándalo. Esto puede encontrar en el link de http://www.hollywoodosis.com/shakira-demanda-millonaria-waka-waka.

Esto ocurría hasta que llegaron a la fuente que es Wilfrido Vargas, donde niega demanda y sobre todo admite de que el también copio de otra parte, así como muchos otros. Es muy interesante porque a muchos les ha pasado con muchas letras sobre todo en los coros. En este link pueden encontrar la entrevista que le hace a Vargas CNN http://www.26noticias.com.ar/no-habra-demanda-a-shakira-por-waka-waka-112389.html. La entrevista en video puede encontrar enhttp://www.youtube.com/watch?v=lste6l4U65s.

Pueden ver los videos, compararlo y sacar sus conclusiones. No hubo demanda, no sabemos qué paso, tal vez pudo haber un negociado también, pero los artistas deben tener cuidado muchas veces, siempre hay algún vivo, de ambas partes. El link de ambos temas lo encuentran en http://www.youtube.com/watch?v=SD4aU_MKbR8. La repercusión tuvo en polémica en esta crónica http://www.youtube.com/watch?v=LgcljsmcLco.

Si ven los videos, los relatos, se resolvió esto sin ningún inconveniente dada a la luz, el NEGOCIO DEL FUTBOL Y EL PODER DEL DINERO SOLUCIONA TODO. 

PROGRAMA CULTURAL CHARITAS ACUSTICA

05 DE ENERO DE 2013

 abc color

Los sábados con “Charitas Acústica”

Todos los sábados, de 21:00 a 22:00, se emite el programa “Charitas Acústica”, programa sobre información cultural, bajo la conducción de David Portillo, por Radio Cáritas Universidad Católica (680 AM).

Para este año tiene prevista una variedad en lo que se refiere a entrevistas a creadores, intérpretes y artistas de nuestro país, así como grabaciones de todo tipo.

El programa empezó en junio de 2012 y se extenderá todo este año siempre bajo la conducción de David Isaías Portillo.

fuente: http://www.abc.com.py/edicion-impresa/artes-espectaculos/los-sabados-con-charitas-acustica-524326.html

DERECHOS DE AUTOR EN PARAGUAY

Antes de empezar con este articulo, que habla sobre derechos de autor en Paraguay, a mi modo de pensar, es una base de lo que se tiene, pero en estos tiempos de absoluta tecnología, hay mas campo para desarrollarlo, una magnifica oportunidad para tesinas, creación de leyes de parte de artistas licenciados o artistas abogados que tengan interés por este derecho o como quieran llamarlo.

Muchas cosas están escritas tales como leyes, decretos, pautas, no se aplican, por la falta de conciencia y por no parar a tiempo como se pudo haber hecho en tiempos pasados. Hoy día, la piratería, la falsificación cuesta mucho parar, a mi criterio por la falta de organizaciones de los autores que no representan a su derecho y atribuciones. Imaginense que en la entrada de un shopping hay vendedores de cd falsificados, de películas, de libros, siendo que dentro hay un comercio que tienen las cosas originales.de donde compras? adentro o afuera? también seria algo oportuno la baja de precios de los productos originales que muchas veces cuesta mucho adquirirlo. En las Universidades, los folletos o copias de libros, también juegan un rol hacia la piratería. Dentro de todo hay un problema social cultural que no esta bien, que pide emergencia, que es la educación. Éxitos a los padres que empiezan a educar a sus hijos.

¿PARA QUÉ LOS DERECHOS DE AUTOR?


Los derechos de autor y otros conexos son necesarios para que un creador o innovador, bajo el régimen de tutela jurídica positiva en Paraguay, resguarde sus derechos autorales en general y en particular, ante sí y para todos quienes eventualmente pudiesen acceder a su patrimonio de creación o innovación intelectual, sea de la índole que sea.

1. QUÉ SON LOS DERECHOS DE AUTOR

En los países de de tradición jurídica anglosajona, el derecho de autor se denomina (Copyright) o derecho de copia.

El Código Civil Paraguayo establece:

Reputase autor de la obra literaria, científica o artística al que crea, o a su causahabiente a titulo universal o particular sea que la publique bajo su nombre o seudónimo.

El derecho de autor es el Privilegio del cual puede gozar el titular de una creación del intelecto, si es debidamente registrada y obtenido el título que le otorga la protección debida al creador.

2. MARCO LEGAL

Las disposiciones que resguardan la protección de los Derechos intelectuales en Paraguay, son, principalmente:

LA CONSTITUCIÓN NACIONAL VIGENTE (1992)

LAS LEYES DE LA REPÚBLICA: Leyes Nº 1183/85 “CÓDIGO CIVIL”, la Nº 1328/98 “DE DERECHOS DE AUTOR Y DERECHOS CONEXOS”, la Nº 3440/2008 “QUE MODIFICA VARIAS DISPOSICIONES DE LA LEY Nº 1160/97, CÓDIGO PENAL” y otras conexas.

RESOLUCIONES REGLAMENTARIAS DE LAS AUTORIDADES: el DECRETO N° 5159/98 que reglamenta la mencionada ley, y el DECRETO Nº 603 que se establecen medidas especiales para la prevención de la piratería y la falsificación y la protección de los derechos de autor.

Estas y otras normativas vigentes, sin nombrar los Tratados y Convenios internacionales firmados por el país y convertidos en ley, así como otros Reglamentos, Estatutos, etc., tienen por objeto la protección de los autores y demás titulares de derechos sobre las obras literarias o artísticas, de los titulares de derechos conexos al derecho de autor y otros derechos intelectuales.

3. DURACIÓN DEL DERECHO PATRIMONIAL:

La protección durará toda la vida del autor y setenta años después de su fallecimiento, y se trasmitirá por causa de muerte de acuerdo a las disposiciones del Código Civil Paraguayo.

4. DOMINIO PÚBLICO:

Una vez vencidos los plazos de protección, las creaciones pasarán al dominio público.

5. ¿QUÉ TIPO DE OBRAS PODRÁN SER REGISTRADAS EN LA DIRECCIÓN NACIONAL DE LOS DERECHOS DEL AUTOR DEL MINISTERIO DE INDUSTRIA Y COMERCIO?

1. las obras expresadas en forma escrita, a través de libros, revistas, folletos u otros escritos, y cualesquiera otras expresadas mediante letras, signos o marcas convencionales;

2. las obras orales, tales como las conferencias, alocuciones y sermones; las explicaciones didácticas, y otras de similar naturaleza;

3. las composiciones musicales con letra o sin ella;

4. las obras dramáticas y dramáticas-musicales

5. las obras coreográficas y las pantomímicas;

6. las obras audiovisuales, incluidas las cinematográficas, realizadas y expresadas por cualquier medio o procedimiento;

7. las obras radiofónicas;

8. las obras de artes plásticas, incluidos los dibujos, pinturas, esculturas, grabados y litografías;

9. los planos de este aplicado;

10. las obras fotográficas y las expresadas por un procedimiento análogo a la fotografía;

11. las obras de arte aplicado;

12. las ilustraciones, mapas, croquis, planos, bosquejos y obras plásticas relativas a la geografía, la topografía, la arquitectura o las ciencias;

13. los programas de ordenador (Software);

14. las colecciones de obras, tales como las enciclopedias y antologías y de las obras u otros elementos, como la base de datos, siempre que dichas colecciones sean originales en razón de la selección, coordinación o disposición de su contenido; y,

15. en general, toda otra producción del intelecto en el dominio literario, artístico o científico, que tenga características de originalidad y sea susceptible de ser divulgada o reproducida por cualquier medio o procedimiento, conocido o por conocer.

La anterior enumeración es meramente enunciativa y no taxativa

Fuente: Ley 1.328/98 - De Derecho de Autor y Derechos Conexos

6. TIEMPO DE DURACIÓN DE LOS TRÁMITES PARA EL REGISTRO O PATENTE:

Inscripción inicial (depósito de obras): Unos 3 (tres) días

Publicación y título: 30 (treinta) días aproximadamente.



8. REQUISITOS:

a) Copia de Cédula de Identidad del titular de la obra.

b) Firma en los formularios correspondientes.

c) 5 (cinco) ejemplares de las obras, en caso de que sean escritas. Ej. Libros, manuales etc.

Para obras artísticas inmuebles, fotografías: de frente, ambos costados, perfiles etc.

Programas informáticos: en 5 (cinco) copias, soportes magnéticos.

Obras representadas: filmadas.

9. FUENTES Y BIBLIOGRAFÍA CONSULTADA:

* Ley Nº 1.328/98 “De los Derechos del Autor y Derechos conexos” (Intercontinental: Asunción – 2004).

* Sitio de Derechos marcarios punto com: http://www.registrosmarcarios.com/index.php?option

Gala Artística en homenaje a "Nuestra Señora de la Asunción"

En homenaje a “Nuestra Señora de la Asunción”, patrona de la Universidad Católica, se llevo a cabo la III Gala Artística “Intercampus”, el lunes 24 de septiembre de 2012, 

Elencos artísticos de distintos Campus se reunieron en la III Gala Artística “Intercampus”, que tuvo lugar en la Sala de Convenciones del Centro Cultural del Banco Central del Paraguay  en homenaje a “Nuestra Señora de la Asunción”, patrona de la Universidad Católica.

El Campus de Asunción estuvo representado por el solista David Isaias Portillo, quien presento el tema “soñado querer” acompañado de Jose Salinas en el piano; el pianista Derlis Rafael Arce, con su interpretación de la obra “Impromptu Fantasía Op. 66”, de F. Chopin; Alejandro Vera y Julio Cristaldo, del Conservatorio de Música y representantes del Coro Campus Asunción.

Los Campus de Alto Paraná, Caaguazú y Concepción estuvieron representados por el cantante Eduardo Rivero, con la interpretación de los temas “Mi dulce esperanza” y “Canción con todos”; Alejandro Villamayor, con el tema “Korapy ajeno”, el Elenco de Danzas, bajo la coordinación de la Prof. Antonella López; y Rosa Danielli Báez, con su interpretación de los temas “Ehendú  che purahei” y “Bella Concepción”, respectivamente.

Un elenco artístico que presento  “Estampas Guaireñas”, cuadro adaptado de José Asunción Flores con los temas “India”, “Tren Lechero” y “Añoranza Guaireña”, de Félix Pérez Cardozo presenta el Campus de Guairá.

El Campus de Itapúa presento a María Belén Peña y Silvana Anahí Schaid, con un popurrí de canciones folklóricas. Por su parte el Sub Campus de San Ignacio Guazú trajo un elenco de 12 bailarines y 20 músicos de la Orquesta "Ars Barroca" que actuaron simultáneamente en una obra de 10 minutos denominada: San Ignacio Fantasía y Color, con temas musicales de José Asunción Flores: Gallito Cantor y Musiqueada che amape.

También  participaron delegaciones de la Unidad Académica de Carapeguá y de Pedro Juan Caballero, ambas con la presentación de elencos de danzas, bajo la coordinación de la Prof. Rosa Velastiquí (Carapeguá) y la Prof. Antonella López (Pedro Juan Caballero), respectivamente.

por SECRETARIA DE CULTURA Y ARTE DE LA UCA.

ESTUDIANTES SELECCIONADOS PARA GALA ARTÍSTICA 2012

El solista David Isaias Portillo, estudiante de la carrera de Ciencias de la Comunicación y el pianista Derlis Rafael Arce Acuña, estudiante de Medicina representarán al Campus de Asunción de la Universidad Católica, en la 3a. Gala Artística Intercampus, el 24 de setiembre de 2012, en el Centro de Convenciones del Banco Central.

El Campus de Asunción de la Universidad Católica estará representado por el solista David Isaias Portillo, estudiante de la carrera de Ciencias de la Comunicación y el pianista Derlis Rafael Arce Acuña, estudiante de Medicina, en la tercera Gala Artística Intercampus.

David y Derlis resultaron seleccionados en una competencia interna de solistas, dúos, grupos e instrumentistas, que se realizó en el Aula Magna de la Sede Central, el lunes 23 de julio de 2012.

En la categoría de solista, David Portillo interpretó el tema intitulado “Lluvia de Amor”; y en la categoría de instrumentista, Derlis Arce ejecutó en el piano la guarania “Choli”, de José Asunción Flores.

Otros participantes que obtuvieron puntajes bastante altos en la categoría de solista fueron: Diana Medina (estudiante de Diseño Gráfico), con su interpretación de la balada pop “Cerca de una mirada”, y Carlos Darío Yegros (estudiante de Medicina), con el tema “Mi Patria Soñada”.

La Prof. Gloria Mazó, directora de la Secretaria de Cultura y Arte de la Universidad, comentó que el principal objetivo de la competencia interna fue seleccionar a los mejores representantes del Campus de Asunción en la tercera Gala Artística Intercampus, que se llevará  cabo en el Centro de Convenciones del Banco Central del Paraguay el 24 de setiembre próximo.

El jurado de la selección estuvo integrado por los profesores Carlos Cazal, director de Coro Campus Asunción; Richard Albospino, profesor de guitarra eléctrica del Conservatorio de Música; y Gloria Mazó, directora de la Secretaria de Cultura y Arte.

Publicado en : http://www.uca.edu.py/13423